Beste Rocksänger in Bands: Lead-Gesangslegenden

Leadsänger: Im Jahr 2023 ist es fast schon ein kurioses Diskussionsthema. Heutzutage werden große Bands immer seltener, und viele der wichtigsten Rockgruppen sind in erster Linie die Vision einer einzelnen Person – wobei die Begleitband entweder von Projekt zu Projekt unterschiedlich ist, oder in einigen Fällen nicht vorhanden. Aber für den größten Teil der Rock'n'Roll-Geschichte war der Leadsänger eher ein Quarterback: Nur ein Spieler im Team, aber derjenige, der am meisten dafür verantwortlich ist, die Spielzüge zu bestimmen, den Ton anzugeben und allgemein Zahlen auf die Tafel zu bringen. Und auch derjenige, der am wahrscheinlichsten ein Superstar, ein MVP oder eine Ikone aller Zeiten wird.

Hier bei Billboard nehmen wir uns einen Moment Zeit, um diese Größen auf der Bühne zu ehren: die Rock'n'Roll-Sänger, die ihre Bands zu stratosphärischen Höhen führten und ganze Generationen von Sängern dazu inspirierten, den von ihnen eingeschlagenen Weg zu gehen. Dies sind die legendärsten Avatare aus der sieben Jahrzehnte langen Geschichte des Rock, die Leute, die – mit ihrem Gesang, mit ihrem Songwriting, mit ihrem unbeschreiblichen Live-Charisma und vor allem mit ihrer undefinierbaren, allumfassenden Präsenz – den größten Beitrag zur Verbreitung der Musik geleistet haben Gospel in alle Ecken der Welt zu verbreiten und als Sprachrohr für ihre Bands und Sprecher des Genres zu fungieren.

Bei der Zusammenstellung unserer Liste haben wir berücksichtigt, dass einige Bands mehrere Frontleute als Leadsänger haben können, obwohl wir am Ende nur einen pro Gruppe aufgenommen haben. Aber wir waren wählerisch, was den „Band“-Teil angeht – die Gruppen mussten von einem Album zum nächsten weitgehend einheitlich sein und den Großteil ihrer eigenen Instrumente spielen – sowie den „Rock“-Teil; Während viele der Gruppen hier genreübergreifend sind (und/oder sich ihnen widersetzen), mussten wir damit zufrieden sein, dass sie größtenteils eine Rockband sind, damit wir sie hier zählen konnten. Und die größte Herausforderung bestand darin, dass wir uns entschieden haben, Leadsänger zu disqualifizieren, deren berühmteste Bands nach ihnen benannt sind – Bruce Springsteen, Prince, Joan Jett –, weil dadurch die Grenzen zwischen Solokünstler und Band zu verschwimmen würden und weil wir lieber diese Liste verwenden würden sich auf die Bands zu konzentrieren, die eher demokratisch zusammengesetzt waren, deren Frontleute aber immer noch auf einzigartige Weise den Weg weisen.

Vor diesem Hintergrund finden Sie hier unsere Auswahl der 50 größten Leadsänger der Rockgeschichte. Schnappen Sie sich ein Mikrofon, etwas Haarpflegemittel und ein oder zwei Federboas und machen Sie sich bereit zum Mitsingen und Putzen.

Zu Beginn der Reunion-Tour von Rage Against the Machine im Jahr 2022, die aufgrund von COVID-bedingten Verzögerungen stattfand, erlitt Zack de la Rocha eine Verletzung, die sich später als Achillessehnenriss herausstellte Spielt heute Abend für euch alle. Wir sind zu weit gekommen.“ Angesichts seiner und Rage’s politischen Ansichten fühlte sich de la Rochas Livewire-Präsenz schon immer als riskant an, aber es sind die kernige Entschlossenheit des Rap-Rockers – und seine stimmliche Fähigkeit, den instrumentalen Strudel der drei Legenden, die ihn flankieren, zu durchdringen – die ihn festigen Frontmann-Pantheon. – ERIC RENNER BROWN

Rubén Albarrán, der quirlige Frontmann der mexikanischen Rockgruppe Café Tacvba, ist ein leuchtender Leuchtturm musikalischer Brillanz. Mit seiner beispiellosen Bühnenpräsenz – und seiner unheimlichen Fähigkeit, sich mit jeder Albumveröffentlichung neu zu erfinden (die manchmal ein neues Alter Ego beinhaltet) – verbindet Albarrán aufregende Unvorhersehbarkeit und rohe Verletzlichkeit mit grenzenloser Leidenschaft. Seine Stimme ist ein facettenreiches Wunder, sei es ein kristallines Gurren, das einem das Herz durchdringen kann („María“, „Que No“), oder ein bedrohliches Knurren, das streng und bitter werden kann („Déjate Caer“). Auf der Bühne ist seine Fähigkeit, mit der Menge in Kontakt zu treten, unübertroffen und mischt einen perfekten Sturm aus sardonischem Humor, albernen Tanzbewegungen, einheimischem Stolz und Latin-Rock-Mystik. –ISABELA RAYGOZA

Sie wissen, dass Sie ein erfolgreicher Frontmann sind, wenn Ihr eigener Name auf der ganzen Welt genauso bekannt ist wie der Ihrer Band – ohne jemals einen eigenen Auftritt gehabt zu haben. Andererseits, wenn man singen, Leadgitarre spielen und Schlagzeug spielen kann, wer hat dann schon Zeit für einen Soloauftritt? Von seinen Anfängen in Nirvana bis zu den Foo Fighters hat Grohl auf der Bühne immer wieder bewiesen, dass er ein Chamäleon ist. Aber vielleicht noch bemerkenswerter? Er hat seinen Titel als nettester Kerl im Rock die ganze Zeit über behauptet. – LYNDSEY HAVENS

Als Chaos auf der Erfolgsleiter brachten die „Mats“ unter großen Gefahren die Idee zum Ausdruck, dass Rock’n’Roll rebellisch sein sollte. Und Westerberg, ein charismatischer Klugscheißer, verkörperte die oft bissige Ambivalenz der Band gegenüber Mainstream-Erfolg – ​​auch wenn er mit einfühlsamem, herzzerreißendem und selbstironischem Songwriting, das mit jedem Album brillanter wurde, nach den Messingringen griff. Die Replacements sind tot, aber sie leben weiter, zum Teil wegen ihrer betrunkenen Live-Possen, aber vor allem, weil Westerberg-Juwelen wie „Unsatisfied“, „Bastards of Young“, „Sadly Beautiful“ und „Can't Hardly Wait“ immer noch auftauchen Fäuste und Herzen zum Schmelzen bringen. – FRANK DIGIACOMO

Poly Styrene, einer der markantesten Sänger des Punk, wetterte gegen Konsumismus, Frauenfeindlichkeit und Künstlichkeit mit einer Stimme, die von einem durchdringenden Heulen bis zu einem schnell vibrierenden Brüllen reichen konnte. Styrene trug eine Zahnspange und spottete über diejenigen, die der Meinung waren, dass Frauen in Bands Sexobjekte sein sollten. Sie steuerte die X-Ray Spex durch eine kurze Karriere (nur ein Album, Germfree Adolescents, und fünf Singles in den späten 70ern), die sich dennoch als bewiesen erwies unverzichtbar für zukünftige Generationen von Punks und Riot Grrrls. – JOE LYNCH

Als Living Color 1988 mit ihrem Debüt Vivid und der rockigen Hitsingle des Albums, „Cult of Personality“, den Durchbruch schaffte, waren alle Augen und Ohren auf Glover gerichtet. Mit seinen langen Zöpfen, farbenfrohen Outfits und einer ebenso bedrohlichen wie fließenden Stimme war Glover eine neue Kraft, mit der man rechnen musste, insbesondere zusammen mit dem Gitarristen Vernon Reid. Obwohl Glover und Co. gewannen in Folge Grammys für die beste Hardrock-Performance und gelten immer noch als eine der am meisten unterschätzten Rockbands aller Zeiten – mit einem der überzeugendsten Frontmänner. – MELINDA NEWMAN

Ästhetisch gesehen verbrachte Garcia den größten Teil seiner Karriere als Anti-Frontmann und verzichtete auf das farbenfrohe psychedelische Gewand und den komplizierten Nudie-Anzug, den er in den frühen Jahren der Dead trug, um schlichte T-Shirts und eine stoische Bühnenpräsenz zu bieten. Aber was Garcia an traditionellem Frontmann-Eifer fehlte, machte er als kreativer und spiritueller Motor der Dead wett, indem er nicht nur die Band anführte, sondern auch Fans mit einer unbeschreiblichen Anziehungskraft anzog, die noch lange nach seinem Tod im Jahr 1995 anhielt. – ERB

Courtney Love war weder im Riot Grrrl noch im Grunge völlig zu Hause und machte Hole Mitte der 90er Jahre einfach zu einer der wichtigsten Rockbands aller Subgenres, mit ihrem spitzen und beruhigenden Gesang und ihren herzzerreißenden Texten , und ihre augenzwinkernde, störende öffentliche Präsenz. Und als die Top 40 Ende des Jahrzehnts wieder die Oberhand gewannen, legte sie noch einen drauf und fühlte sich auf TRL genauso zu Hause wie im Buzz Bin, wobei sie Pop-Ikone erlangte, ohne etwas von ihrer künstlerischen Kraft einzubüßen. — ANDREW UNTERBERGER

Einige der denkwürdigsten Momente von System of a Down sind auf Serj Tankians gutturale Intensität zurückzuführen – das „WAKE UP!“ Shout-Sing-Verse von „Chop Suey!“, der wilde Refrain von „Toxicity“, der stampfende Schlusssatz von „BYOB“, um nur einige zu nennen – aber diese Darbietungen waren so effektiv, weil Tankian genauso oft in die Leise zurückfiel , fragile Melodien. Die Spannung zwischen sanften und wütenden Seiten prägte den politischen und sozialen Kommentar von System of a Down, als Tankian die Fans gekonnt einlullte, bevor er sie für die inakzeptablen Realitäten um sie herum wachrüttelte. – JASON LIPSHUTZ

Zweifellos war Gallagher zumindest ein wenig frech, als er im Eröffnungsstück von Oasis‘ Debütalbum Definitely Maybe aus dem Jahr 1994 erklärte: „Tonight I'm a Rock 'n' Roll Star“. Aber die Aussage traf dennoch zu, nicht nur für einen Abend, sondern für die gesamten 90er Jahre, wobei Gallaghers überragende, höhnische Darbietung das Jahrzehnt prägte und seine F-K-You-Prahlerei auf und neben der Bühne ihn auch de facto zum Star machte Geistertier des Britpop. – KATIE BAIN

Es gibt nur wenige Dinge auf dieser Welt, die so fesselnd sind wie der Live-Auftritt von Brittany Howard. Ihre bemerkenswerte Stimme scheint bis zu ihren Fußsohlen zu strahlen, während sie einige der zärtlichsten Texte hervorbrüllt, während sie von der herausragenden Musikergruppe der Alabama Shakes unterstützt wird. Howards Präsenz ist ebenso beeindruckend wie ihre Stimme, wenn sie auf der Bühne stampft und die Begründer des Rock'n'Roll kanalisiert. – TAYLOR MIMS

Das Klischee besagt, dass Paul McCartney der poppige Beatle war, während John Lennon der Rocker der Band war. Wie die meisten Stereotypen erzählt das nicht die ganze Geschichte. Paul sang bei vielen Balladen die Hauptrolle, war aber auch Frontmann der Gruppe bei zertifizierten Rocksongs wie „A Hard Day's Night“, „Helter Skelter“ und „Back in the UdSSR“. Eines der nachhaltigsten Bilder aus den Anfangsjahren der Band ist John und Paul, deren Gesichter dicht beieinander liegen und sich beim Singen ein einziges Mikrofon teilen. Das ist nur eines von hundert Dingen, die die Beatles Pionierarbeit geleistet haben. – PAUL GREIN

Iggy Pop brachte die Eskapaden des Rock-Frontmanns zu ihrem natürlichen, brutalen Abschluss – er tat vor einer Menschenmenge alles, was man sich vorstellen kann, vom Schneiden in sein Fleisch bis hin zum Auspeitschen seines Penis und dem Vibrierenlassen über einen Lautsprecher. Über die nihilistischen Possen hinaus sollten seine Stimme – in einem Moment volltönend und voll, im nächsten animalisch und kreischend – und seine unverwechselbare Phrasierung einen unermesslichen Einfluss auf die Geburt des Punks haben. — J. Lynch

Es wäre richtig, Gwen Stefani einen Popstar zu nennen, aber es wäre auch reduzierend. Während andere Sänger dieser Ära auf Hochglanz poliert waren, war Stefani eher ein Rockstar als ein Red-Carpet-Star. Mit No Doubts Durchbruchalbum Tragic Kingdom aus dem Jahr 1995 gelangte sie ins Mainstream-Bewusstsein. Ihre elektrische Bühnenpräsenz und ihre elastische Gesangsdarbietung vereinten Verletzlichkeit, Wut, Weiblichkeit, Ehrlichkeit und Schärfe, was sie – kombiniert mit ihrer ikonischen gebleichten blonden Ska-Punk-Ästhetik – zu einem dauerhaften Vorbild machte für Millionen anderer Mädchen (und Männer) auf der Welt. — KB

Joe Strummer war unerschrocken politisch und zutiefst humanitär und brachte eine stimmliche Bandbreite in die Punkmusik, mit der nur wenige konkurrieren konnten. Sicher, er könnte es mit den Besten aufnehmen und über alles Mögliche schimpfen, vom amerikanischen Imperialismus über Jobs in Sackgassen bis hin zu Polizeibrutalität. Aber in seinem Vortrag lag auch eine eindringliche Verzweiflung, die genauso ausdrucksstark war wie Roy Orbison – zumindest bis „The Clash“ zu einem Song überging, der ihn wie Jerry Lee Lewis oder Jimi Hendrix dazu zwang, sich auf der Bühne so richtig ins Zeug zu legen. — J. Lynch

Vom herrlich unberechenbaren und kraushaarigen Gesicht der psychedelischen Bewegung in San Francisco in den späten 60ern mit Jefferson Airplane bis hin zu einer Schaufensterpuppe im Hosenanzug im Musikvideo der späten 80er zum Singalong-Popklassiker „Nothing's Gonna Stop Us Now“ mit Starship Grace Slick nutzte ihren dynamischen Gesang und ihre wilden Augen, um über Genres und Generationen hinweg eine fesselnde Bühnenpräsenz zu schaffen, von der man nicht wegsehen konnte. – KATIE ATKINSON

Der X-Faktor, der Linkin Park von einer sehr guten Nu-Metal-Band zu wahren Game-Changern machte: Chester Bennington wurde zu einem der größten Rockstars des 21. Jahrhunderts, indem er seine Dämonen auf Platte austrieb, mit ohrenbetäubender Wildheit und entwaffnender Zärtlichkeit. Bennington war stets einfühlsam und einfühlsam, selbst wenn er in seiner Darbietung übermenschlich war. Er brachte unleugbare Ernsthaftigkeit in hochkarätige Pop-Crossovers wie „In the End“ und „What I've Done“ und konnte sich bei einer Hitsingle gegenüber dem Spitzenreiter Jay- Z. – AU

Gustavo Cerati, der verstorbene, große legendäre Frontmann der argentinischen Band Soda Stereo, trat in den 80er Jahren als transzendente Figur hervor, deren Bühnenpräsenz eine Symphonie von mystischer Anziehungskraft war. Mit einer ätherischen Stimme, die zwischen eindringlicher Verletzlichkeit („Té Para 3“) und aufsteigender Intensität („Persiana Americana“) tanzte, zauberte Cerati eine emotionale Klanglandschaft, die das Publikum in eine fesselnde Umarmung hüllte. Als Virtuose an der Gitarre gleiten seine Finger mühelos über die Saiten und besitzen die Fähigkeit, gleichzeitig unsere Herzen zu berühren. Seine genreübergreifenden Kompositionen und sein Auftreten, gepaart mit stimmungsvollen Texten, die eine tiefe Selbstbeobachtung entfachten, werden für immer in die Geschichte des Latin-Rock eingehen. — IR

Als Metal-Urvater inspirierte Ozzy Osbourne unzählige Sänger – von denen viele zugegebenermaßen weitaus technisch versierter sind. Aber der unverwechselbare Ton und die melodramatische Darbietung des Prinzen der Dunkelheit – in einem Moment ängstlich und traumatisiert, im nächsten teuflisch und bedrohlich – veränderten die Art und Weise, wie Menschen darüber nachdachten, was ein Sänger tun sollte. Vielleicht war ein Frontmann nicht da, um dich zu verführen, sondern um dich zu Tode zu erschrecken. — J. Lynch

Eine der ersten berühmten Punkrockmusikerinnen zu werden, die sich 2012 als Transgender outete, erforderte von Laura Jane Grace ein erstaunliches Maß an Mut – aber die Anführerin von Against Me! hatte im Laufe ihrer Karriere immer ein hohes Maß an Furchtlosigkeit an den Tag gelegt, sei es als Leiterin unzähliger Moshpits oder beim Hervorrufen ihrer Identität beim Songwriting. Das erste Album der Band nach der Veröffentlichung von Grace, „Transgender Dysphoria Blues“ aus dem Jahr 2014, gilt als unverzichtbares Stück Rockgeschichte und zeigte, dass Grace kein bisschen von ihrem Knurren verlieren würde, wenn sie ihre Wahrheit sagt. — J. Lipshutz

In den späten 70ern und frühen 80ern gab es viele Arena-Bands, die über Riffs und Melodram verfügten, aber nur eine von ihnen hatte Steve Perry. Ausgestattet mit der seltenen männlichen Rockstimme, die Oktaven erklimmen konnte, ohne an Kraft, Härte oder Klarheit zu verlieren – mit genug Charakter, um in den unteren Lagen immer noch unverkennbar zu sein – war Perry eine Waffe, die es Journey ermöglichte, sich von der Masse abzuheben und die Jahrzehnte zu überwinden , mit Hits wie „Don't Stop Believin'“ und „Separate Ways“, die nach wie vor zu den festen Bestandteilen der Popkultur und Karaoke gehören. (Viel Glück, wenn Sie es tatsächlich versuchen.) – AU

Mit ihrem unverwechselbaren und unvorstellbar hohen Gesang, der nur von den heulenden Gitarren von Heart übertroffen wurde, eroberte sich Ann Wilson in den 1970er Jahren einen Platz im Jungenclub des Rock'n'Roll, unterstützt von den nahtlosen Harmonien ihrer Schwester, der Heart-Gitarristin/Sängerin Nancy. Dann, in den 80er Jahren, fand die Band ein zweites Leben, als Ann ihren kraftvollen Rockgesang mit unbestreitbaren Popballaden, die von diesen einzigartigen Pfeifen angetrieben wurden, an die Spitze der Hot 100 brachte (zweimal). Fünfzig Jahre später erregt Wilsons fesselnde Stimme immer noch Aufmerksamkeit und Respekt. – KA

Teils Frontmann (obwohl er einen solchen Titel verneinen würde), teils menschlicher Springbohne ist Anthony Kiedis einer der fesselndsten Interpreten der Musikbranche. Er verwandelt jedes Set – ganz gleich, ob die Band als Headliner auf einem Festival auftritt oder in einem kleineren Club auftritt – in eine energiegeladene Show, bei der Live-Musik und körperliche Fitness gleichermaßen im Vordergrund stehen und es unmöglich macht, nicht mitzusingen und sich mit ihm zu bewegen, während er spuckt und scheißt und schreit sich durch die fast vier Jahrzehnte unsinkbarer Hits der Band. — LH

In den 1960er Jahren gingen die meisten Menschen wahrscheinlich an dem unauffälligen Lou Reed vorbei, ohne ihn jemals zu bemerken, geschweige denn zu bemerken, dass sie auf den Paten der Punkmusik gestoßen waren. Als Frontmann von The Velvet Underground lieferte er mit seiner unaufdringlichen Präsenz einige der poetischsten Rock'n'Roll-Stücke des Jahrzehnts, gesungen in seiner ausdruckslosen Art. Reed wirkte mit seinem lockigen Haarschopf wie ein Jedermann, dem es gelang, die Probleme der späten 1960er Jahre in seinen Texten einzufangen, bevor er sowohl die unrühmliche Angst der 1970er Jahre als auch ein Genre einleitete, das den Menschen half, sie auszudrücken. — TM

Hat Thom Yorke das schönste Falsett in der modernen Musik? Trotz all seiner vielen Eigenschaften als Rock-Größe aller Zeiten – die Fundgrube kraftvoller Songs, klassischer Alben, nachdenklicher lyrischer Passagen und siegreicher Experimente – wird dieses eindringliche, zarte obere Register für immer eine Visitenkarte sein, die bei den Signature-Songs von Radiohead fachmännisch eingesetzt wird („Idioteque“, „High and Dry“) und bei den Fans beliebte Stücke aus späterer Zeit („Nude“, „Lotus Flower“) gleichermaßen. Yorke war schon immer in der Lage, in einem breiten Stimmumfang Töne zu erklimmen, die so schön sind, dass sie einen zum Weinen bringen. — J. Lipshutz

Als Frontfrau von Big Brother & The Holding Company hat Janis Joplin mit ihrem bluesigen Vortrag und ihren krampfhaften Bühnenbewegungen eine Generation des psychedelischen Rock'n'Roll geprägt. Natürlich lauerten unter der Oberfläche ihrer gefühlvollen Darbietungen und ihrer unnachahmlichen Stimmauswahl Dämonen, die sie schließlich einholen würden, da Joplin 1970 an einer Überdosis Heroin starb – was bedeutete, dass die Welt seit Big Brother nur drei Jahre mit der Legende verbrachte Beim Monterey Pop Festival 1967 kam es zu ihrem tragischen Tod im Alter von 27 Jahren. Stellen Sie sich vor, welche Wirkung sie mit mehr Zeit hätte haben können. – KA

Mit seiner opernhaften Vier-Oktaven-Stimme legte Rob Halford die Messlatte für Metal-Sänger bis nach Valhalla höher. Sein bedrohliches Knurren verlieh dem tuckernden Hardrock von Judas Priest eine erschütternde Note, aber sein Ton hat auch einen bluesigen Unterton – fast sinnlich, wenn man ihn durch die Leder-und-Nieten-Linse seines Looks betrachtet. Wenn Sie dieses ohrenbetäubende Falsett einsetzen, erhalten Sie ein unnachahmliches Talent, das nur einmal in einer Generation zu finden ist. — J. Lynch

Karen O gab den Yeah Yeah Yeahs alles: ihre Stimme, ihre Energie, ihren Stil, ihre Worte und, am aufopferndsten, ihren Körper. Gesundheit sei verdammt! Wenn Karen O auf der Bühne steht, wirft sie sich wie eine schimmernde Flipperkugel umher, angetrieben von der schieren Kraft ihrer Kunstfertigkeit. Als bahnbrechende asiatische Frau im Rock schuf sie sich ihren eigenen Weg und ließ nie zu, dass andere ihre Rolle in diesem Genre definierten – eine Bilderstürmerin in allem, von ihren asymmetrischen Frisuren bis hin zu den höchsten Tönen ihres Schreis. Sie widersetzt sich allen, die vor ihr kamen, und wird niemals wiederholt werden. — TM

In den frühen 90ern war Vedder ein hochkarätiger Frontmann, der wahnsinnig von Balkonen sprang, an Lampenträgern baumelte und irgendwie todesmutige Drops hinlegte, bevor er zurück auf die Bühne strömte. Da er älter und weiser geworden ist, bleibt er hauptsächlich erdverbunden, aber die stimmliche Intensität und sein sofort erkennbares Vibrato dominieren immer noch. Kaum ein Sänger verkauft seine Songs mit so großer Überzeugung und roher Wildheit wie Vedder. Man spürt ihn als Leadsänger genauso, wie man ihn hört. — MN

In den späten 60er Jahren überschritt der scheinbar mythische Frontmann der Doors die Grenzen des Auftritts und bewegte sich zwischen melancholischer Selbstbeobachtung und fieberhafter Rebellion. Mit seinem grüblerischen Charisma, seiner poetischen Seele und seiner elektrisierenden Bühnenpräsenz wurde Morrison zu einem Vermittler zwischen den Bereichen des Bewusstseins und des künstlerischen Ausdrucks. Seine Stimme, eine tiefe, aber samtige Mischung aus roher Kraft („Roadhouse Blues“, „Five to One“) und eindringlicher Darbietung („The Crystal Ship“, „Riders on the Storm“), hatte ein Gefühl aus einer anderen Welt, in das man abstürzen konnte die Tiefen menschlicher Emotionen oder werden donnernd. Er verwandelte sich in „The Lizard King“ und trug auf der Bühne hautenge Lederhosen, wobei er oft in geschwungenen Bewegungen über die Bühne streifte, eine beunruhigende und doch fesselnde Präsenz. Morrisons verführerische Provokationen und seine furchtlose Erforschung der menschlichen Psyche haben ihn als zeitlose Muse verankert. — IR

Bevor er 1985 seine Solokarriere als Clown-Prinz des Rock mit seinem kampflustigen Cover von „California Girls“ startete, jammerte Roth über die kraftvollen Akkorde eines anderen Covers, „You Really Got Me“ von The Kinks, um Van Halen in die Welt zu treiben 1978 zum ersten Mal in den Hot 100. Mit der Blondine mit nacktem Oberkörper als extravagantem Frontmann überwand die südkalifornische Band die Hair-Metal-Welle der 80er Jahre, füllte Stadien und führte die Billboard-Charts an. Während Sammy Hagar den Leadgesang übernahm, als Roth Solo ging, blieb dessen unvergleichliche Präsenz – teils Moderator einer Spielshow, teils Zirkusartist – untrennbar mit der Band verbunden, und er kehrte für mehrere Wiedervereinigungen zurück. Als Eddie Van Halen am 6. Oktober 2020 an Krebs verstarb, sagte Roth, dass es „besser war als jede Liebesaffäre, die ich je hatte“, mit dem Gitarristen die Lieder der Band zu singen. – THOM DUFFY

Als führende Figur der Riot-Grrrl-Bewegung hatten Hannas Auftritte bei Bikini Kill eine besondere Bedeutung: Die Gruppe wollte nicht nur herausragende Shows veranstalten, sondern dabei auch die Machtdynamik der Punkmusik selbst umkehren. Natürlich ist Ersteres so etwas wie eine Voraussetzung für Letzteres, und mit Bikini Kill – und später Le Tigre und The Julie Ruin – vereinte Hanna Live-Performance und politische Dringlichkeit wie nur wenige Künstler jemals. – ERB

Jack White hat sich aufgrund der verschiedenen Rollen, die er in seiner Karriere spielt – vom Labelgründer über den Hersteller von Plattenanlagen bis hin zum künstlerischen Mitarbeiter – zu einem nahezuen Sprachrohr des Rock und zu einer festen Größe in der gesamten Musikindustrie entwickelt. Aber es ist die Rolle, die er in „The White Stripes“ spielte, die ihm diesen anhaltenden Erfolg bescherte und ihn zu einem einzigartigen Sänger und Gitarrenvirtuosen machte – während er in seiner Mode, seinen Aufnahmeentscheidungen und seiner absichtlich irreführenden Beziehung mit der wilden Mystik des Rock’n’Roll spielte mit „Schwester“-Schlagzeugerin Meg White – und kreierte kulturprägende Riffs, die ein Leben lang halten. — LH

Kein anderer Alternative-Rock-Sänger der 90er ist in puncto Gesangskraft mit Chris Cornell vergleichbar; Man müsste Jahrzehnte zurückgehen und/oder in völlig andere Genres eintauchen, um ein anderes Kraftpaket zu finden, das als seinesgleichen gilt. Seine Brust- und Kehlkopf-Pyrotechnik sorgte dafür, dass Soundgarden von Seattle aus landesweit bekannt wurde – schon vor Nirvanas berühmtem Durchbruch kletterten sie in die Billboard-Charts –, während sein mürrischer (und oft hemdloser) Machismo ihm auch den Status eines Frauenschwarms einbrachte und sein gefühlvolles Songwriting seine Ausdauer sicherte , einschließlich seines späteren Blockbuster-Erfolgs mit Audioslave. – AU

Während der jahrzehntelangen Transformation von REM – vom klirrenden College-Radio-Klang ihres Debüts Mitte der 80er-Jahre über den Mega-Pop-Rock ihrer 90er-Jahre bis hin zu ihrem alternativen Elder-Statesmen-Lauf des 21. Jahrhunderts – war Michael Stipes Stimme dabei war immer ihr Vorbild, er veränderte seine eigene Herangehensweise am Mikrofon und behielt dabei seine poetische Lyrik und seinen Sinn für Perspektive bei. Niemand sonst kann gleichzeitig „It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)“ aufzählen und „Everybody Hurts“ mit so viel Agilität und Elan singen, und niemand sonst hätte REM lange Zeit auf dem Laufenden halten können so lange mit so viel Erfindungsgeist und subtiler Anmut. — J. Lipshutz

Keine Frontfrau der Punk-Ära konnte hoffen, mit Chrissie Hyndes Vielseitigkeit oder ihrem Reichtum als Sängerin mithalten zu können, indem sie die Muskeln des Mittleren Westens mit britischem Witz und Können zu Songs vereinte, die gleichermaßen erfreuen, destabilisieren und zerstören konnten. Hynde ist zwar keine kraftvolle Sängerin, aber der schiere Charakter von Hyndes Stimme sorgte dafür, dass ihre Pretenders-Hits wie Aufschläge landen – sehen Sie sich an, wie sie bei „Precious“ „f–k off“ ausspuckt, als würde sie eine Zigarette schnippen, und wie ihre Stimme dann in ihrer Kehle hängenbleibt Finale „Es gibt niemanden sonst hier/Niemand wie mich“ auf „Brass in Pocket“. Und sie konnte zurückschalten, wenn es sein musste, wie die 90er-Jahre-Ballade „I'll Stand by You“ beweist, einer der wenigen Songs eines Punk-OGs, der jemals als American Idol-Dauerbrenner galt. – AU

Tyler hat mehr für die Schalindustrie getan als jeder andere Leadsänger außer Stevie Nicks. Während in seinem Aussehen schon immer ein gewisses Maß an Androgynie zu finden war, hatte er in einem der besten Songs von Aerosmith, „Dude (Looks Like a Lady),“ auch Spaß an der Idee der Geschlechtertrennung. Tyler, der alle bis auf vier der 28 Hot 100-Hits von Aerosmith geschrieben oder mitgeschrieben hat, spielt auch Mundharmonika und Klavier – aber es ist sein stimmliches Können, das er über mehrere Generationen der Rockmusik hinweg entwickelt hat und das ihm den Spitznamen „Demon of Screamin“ einbrachte. — PG

Wenn es um Sänger im zeitgenössischen Rock geht, steht Hayley Williams an erster Stelle. Ihre formbare Stimme ist seit fast zwei Jahrzehnten das Fundament der Pop-Punk-Größen Paramore, und es kommt immer wieder zu Besetzungswechseln. Ihre Stimme ist gleichzeitig in der Lage, Gospel-Einflüsse mit mitreißenden Pop-Rock-Arrangements zu vermischen („Ain't It Fun“) und herzliche Momente unerschütterlicher Selbstreflexion einzufangen („Forgiveness“), und verfügt über die nötige Vielseitigkeit, um Paramore dabei durch unzählige musikalische Epochen zu tragen behält immer noch sein Kernethos bei. Von ihrer stacheligen Bühnenpersönlichkeit bis hin zu ihren charakteristischen roten Haaren ist Hayley Williams wahrscheinlich die bekannteste Rock-Frontfrau der 2010er Jahre, und ihre siegreichen Beiträge zu Paramores neuestem Album, dem diesjährigen Chartstürmer This Is Why, sollten sie für die Zukunft in dieser Position halten 2020er Jahre. – KYLE DENIS

Fast 60 Jahre später kann praktisch niemand mehr an Roger Daltreys Virtuosität herankommen. Vom wirbelnden Mikrofon bis zum glassplitternden Gesang und den typischen Locken – Daltrey setzt Maßstäbe, wenn es um Frontmänner geht. Da ist die Bühnenpräsenz, die schon spürbar ist, wenn er nur mit entblößter Brust am Mikrofon steht, und sein vollmundiger, kraftvoller Gesang. Und dann sind da noch die Schreie. Der markerschütternde, ursprüngliche Schrei in „Won't Get Fooled Again“, der mehr als sieben Minuten nach Beginn des Songs erklingt, ist die reinste Essenz des Rock'n'Roll. — MN

Während nur wenige Figuren in der Rockgeschichte behaupten können, so eng mit einer Ästhetik verbunden zu sein wie The Cure-Gothfather Robert Smith, ist seine Modeikonographie nur eine Nuance in seiner gesamten Frontmann-Palette. Smiths robuster und hinterhältig verspielter Tenor ist auch einer der unnachahmlichsten Gesangstöne im Alt-Rock – nicht, dass es keinen Spaß macht, es auszuprobieren –, was in Kombination mit seinem herzzerreißenden Songwriting den Songs von The Cure einen Rausch verleiht, der nicht einmal ihre hektischen Gitarren übertrifft und rauschende Synthesizer können durchaus mithalten. Und während ihn bei einem Konzert niemand mit David Lee Roth verwechseln wird, erhält er Punkte dafür, dass er der erste Rock-Superstar war, der die Stadionbühne zu einem sicheren Ort für schmollende Introvertierte machte. – AU

In den späten 1980er Jahren stach Axl mit seinen bemerkenswerten Gesangsfähigkeiten und seiner mitreißenden Live-Präsenz aus der Masse hervor und machte ihn zu einer dominanten Kraft im Hardrock. Rose ruft mit seinen Songs starke Emotionen hervor und liefert hohe Energie. Er schlägt kraftvolle hohe Töne in mitreißenden Rocksongs wie „Welcome to the Jungle“ und „Sweet Child O' Mine“, zeigt aber sein ganzes Spektrum in unvergesslichen Balladen wie „Patience“, „Don' t Cry“ und „November Rain“. Und wenn es um Modetrends ging, war er uns 20 Jahre voraus: Seine kurzen Shorts mit einem Hemd um die Taille, offene Lederjacken ohne Hemd darunter und schottische Kilts als Hommage an seine schottische Herkunft stellten Geschlechternormen in Frage und waren ein echter Hingucker sowohl auf der Bühne als auch auf MTV. — INGRID FAJARDO

Bono verfügt nicht nur über seine Stimmstärke oder seinen Stimmumfang, sondern auch über etwas, das über reines Gesangstalent hinausgeht – die Fähigkeit, Kontakte zu knüpfen. Als einer der großartigsten und charismatischsten Kommunikatoren des Rock wechselt der Frontmann von U2 oft vom Flüstern zum Schrei und hat keine Angst davor, sich anzustrengen, wenn es darum geht, Emotionen zu offenbaren. Bono auf der Bühne zu sehen, selbst als seine allzu coole, teuflische MacPhisto-Persönlichkeit während der Zoo-Tour, bedeutet, einen Frontmann zu sehen, der nicht nur gesehen werden möchte, sondern auch sehen und irgendwie bis unter die Dachsparren reichen möchte. Fünf Jahrzehnte später brennt dieses unvergessliche Feuer immer noch mit der Verzweiflung, die Kluft zwischen Künstler und Publikum zu überbrücken, auf eine Weise, die U2-Shows oft zu einem spirituellen Erlebnis macht, das seinesgleichen sucht. — MN

Die Hybridband Parliament-Funkadelic ist vielleicht die größte amerikanische Plattengruppe aller Zeiten. Ihre Fusion aus Rock, Soul, Science-Fiction, Doo-Wop und Afrofuturismus – angeführt von George Clinton – machte sie zu einem der herausragenden Erneuerer des Funk. Als Frontperson ist Clintons Gespür und Gespür für die Verschmelzung scheinbar unterschiedlicher akustischer und visueller Ästhetik zu einem Produkt, das ebenso einzigartig wie genial ist, einfach unübertroffen. Als Sängerin war Clinton bei weitem nicht die technisch stärkste Sängerin in der Schlagersänger-Rotation des Kollektivs. Als er den Lead-Gesang lieferte, verliehen die Süße seines trockenen Falsettgesangs und die Überzeugung seiner gesamten Gesangsdarbietung jedem Song unnachahmliche Nuancen. Clinton neigt dazu, rohes Gefühl über technisches Können zu stellen, und sein kompromissloser Ansatz bei der Interpretation der reichhaltigen Lyrik des Kollektivs sorgt für einige der fesselndsten Momente in ihrem gewaltigen Katalog – schauen Sie sich diesen mutigen Schrei am Ende von „Everybody.“ an Wird es dieses Mal schaffen.“ — KD

Debbie Harry gleitet mit unerschütterlicher Gelassenheit über Bühnen und Leinwände und strahlt von Natur aus mehr Street-Smart-Prahlerei aus als buchstäblich Tausende von Rock-Frontmännern, die sich viel, viel mehr anstrengen. Harry geht von einem spöttischen Punk-Grollen in einem Moment zu einer sanften Harmonie im Girlgroup-Stil im nächsten über und verleiht Blondies sorgfältig komponierten Liedern ein lachendes, überschäumendes Augenzwinkern. Mit einer unerschütterlichen Selbstbeherrschung und einem klassischen amerikanischen Look, der an ein Gemälde von Lichtenstein oder ein Lied von Chuck Berry erinnert, strahlt Harry eine rätselhafte Aura aus, die die Mona Lisa in den Schatten stellt. — J. Lynch

David Byrnes Entstehungsgeschichte – er lernte seine Bandkollegen Chris Frantz und Tina Weymouth als Studienanfänger an der Rhode Island School of Design kennen, zog dann nach New York City und tauchte in die aufkeimende Punkszene ein – informierte darüber, wie risikofreudige Kunst und chaotische Live-Shows einen gründeten Die Verbindung in ihm und die Triebkraft für kreative Entscheidungen, wie zum Beispiel einen bestimmten, viel zu großen Anzug. Byrnes einzigartige Stimme, sowohl als unvergesslicher Sänger als auch als unendlich neugieriger Autor, trug dazu bei, dass die Verschmelzung in seinem Kopf Wirklichkeit wurde, und machte ihn zu einer Größe aller Zeiten. Der Einfluss des Art-Pop der Talking Heads ist in der modernen Musik immer noch weit verbreitet, und während zahllose Künstler versucht haben, die Feinheiten des längst nicht mehr existierenden Quartetts wiederzubeleben, sind Byrnes unersetzliche Eigenheiten – vom ungläubigen „Once in a Lifetime“ bis zum Funk – unersetzlich – gewürztes „Burning Down the House“ bis hin zur sorgfältigen Seele von „Road to Nowhere“ – haben seine einzigartige Größe definiert. — J. Lipshutz

Ein ikonisches Charles-Peterson-Foto von Cobain, der im März 1991 mit dem Prestar Nirvana im Commodore Ballroom in Vancouver auftritt, zeigt den Rockstar, der scheinbar der Schwerkraft trotzt, kopfüber und nur Zentimeter über der Bühne schwebt, die Gitarre immer noch in der Hand. Als die Mainstream-Rockmusik die glamourösen Exzesse der 80er Jahre abschüttelte, befeuerte Cobains kinetische Bühnenpräsenz Nirvanas spartanische künstlerische Präsentation und lieferte eine Blaupause für eine andere Art von Frontmann, den Typ, der von der Leidenschaft seines Auftritts lebt und stirbt und nicht von den Lichtern oder Konfetti um sie herum. Auf seinem Weg wurde er mehr als nur ein Frontmann – er wurde zum Aushängeschild einer Generation, die ihre Identität fand. – ERB

Robert Plant fungierte immer sowohl als Frontmann als auch als Prototyp und stolzierte in die Walhalla des Ruhms, indem er die Delta-Blues-Ästhetik, die im Wesentlichen den gesamten UK-Rock der 60er und 70er Jahre prägte, mit einer ganzen Menge Sex und Prahlerei aufnahm und so die goldene Götterform festlegte dafür, wie ein Rocksänger aussehen, klingen und sich fühlen sollte. Mit einer der mächtigsten und bekanntesten Stimmen aller Zeiten bewältigte Plant geschickt sowohl die zarte Seite von Zeppelin als auch seine aufsteigendsten Momente, wobei sein kehliges Wehklagen letztendlich ebenso in die Grundlagen der modernen Musik eingebettet wurde wie die Bluesmänner, denen er als Hommage sang. — KB

Der selbstbewusste Stolz. Der Stimmumfang von vier Oktaven. Der umfangreiche Hit-Katalog. Freddie Mercury wurde als Frontmann geboren, und sein theatralischer Stil – in seiner Musik, seiner Mode, seiner Bühnenpräsenz und ganz einfach im Leben – machte Queen in der überfüllten britischen Rockszene der 1970er Jahre zu etwas Besonderem. Zusätzlich zu seinem sofort erkennbaren Gesang schrieb Mercury auch einige der größten Songs von Queen und schrieb die Hälfte der 14 Titel auf dem Greatest Hits-Album der Band von 1981. Das Biopic „Bohemian Rhapsody“ aus dem Jahr 2018 steigerte Mercurys ohnehin schon legendäres Erbe nur noch weiter und endete mit dem verehrten Auftritt der Band beim Live Aid 1985, bevor der Sänger 1991 im Alter von 45 Jahren an AIDS-Komplikationen starb. Eine weitere Geschichte eines Virtuosen, der viel zu früh gegangen ist, aber zwischen der Popkultur Momente und ein immer aktueller Katalog, Mercurys Genie lebt weiter. – KA

In den letzten fünf Jahrzehnten wurde viel über Stevie Nicks‘ hexenartige Ausstrahlung gesprochen, und die Frontfrau von Fleetwood Mac hat tatsächlich etwas Bezauberndes. Auf der Bühne oder in einem Raum voller einigen der talentiertesten Musiker einer Generation konnte Nicks nicht anders, als in ihren wallenden Umhängen hervorzustechen, und mit einer Stimme, die genug Härte besitzt, um selbst die rauesten Äußerlichkeiten abzuschleifen. Die Songs, die Nicks für den Mac beigesteuert hat, gelten nicht nur als die besten der Band, sondern gehören auch zu den beständigsten Radio- und Popkultur-Klassikern der gesamten 70er und 80er Jahre – dank ihrer Fähigkeit, die tiefsten Tiefen ihrer eigenen zu erschließen Soul, der die Zuhörer auf eine Art und Weise fesselt und fesselt, wie kein anderer Leadsänger es jemals schaffen könnte. — TM

Niemand hat Bewegungen wie Jagger – auch nicht die Stimme, das Image, den Sinn für Mode oder das bemerkenswert dauerhafte Charisma des Frontmanns der größten Rock'n'Roll-Band der Welt. Ein Ansager ruft diese Behauptung denkwürdigerweise gleich zu Beginn des bahnbrechenden Live-Albums „Get Yer Ya-Yas Out!“ der Stones aus dem Jahr 1970, und Jagger – der am 26. Juli 80 Jahre alt wurde – hat es der Band ermöglicht, diesem Anspruch gerecht zu werden über ein halbes Jahrhundert, von ihrem Hot-100-Debüt im Jahr 1964 (mit „Not Fade Away“) bis zur Meilenstein-Sixty-Tour im Jahr 2022. Es nimmt Jaggers überlebenden aktuellen Bandkollegen – den legendären Keith Richards und Ronnie Wood und ihren – nichts weg Spitzenmusiker auf Tournee – um dem Sänger vor allem die dauerhafte Bedeutung der Stones für die Rockmusik und die Kultur zu verdanken. Auch nach so vielen Jahren verkörpert Mick Jagger nicht nur die Rolling Stones, sondern auch den Rock'n'Roll selbst – kraftvoll sexuell, bedrohlich, befreiend und fröhlich zugleich. — TD

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